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Keith Haring – El espacio compositivo

Como he analizado en apartados anteriores, Keith Haring suele delimitar sus obras con sus característicos cuadros y rectángulos de gruesa línea negra, por lo que encierra a sus figuras en el lienzo. Pero también se sale mucho de sus obras características y de sus composiciones cerradas tan típicas. Por eso, analizaré varias obras muy distintas compositivamente entre ellas a continuación.

1- Espacio y composición cerrada

Ejemplo de composición de Keith Haring es su obra «Untitled (1986)», ya que tanto el espacio como la composición son cerrados. En esta ilustración podemos ver dos “torres” de siete personas cada una las cuales da la sensación de que se van a caer.

Todos los elementos están encerrados en la composición, no hay atisbo de nada que sea de importancia más allá de lo que se ve. Lo único que sabemos que es abierto y que continua es el fondo y el suelo, pero no tienen la suficiente importancia como para ampliar la obra para mostrarlos. Además, la obra no funcionaría de la misma manera si se extendiesen el suelo y el fondo porque no daría esa sensación de encerramiento y movimiento contenido, que es lo que más transmite la obra.

Sabemos que la composición es cerrada al analizar la estructura. En la obra la estructura vertical es la más importante, por eso la elección del formato retrato. Las dos “torres” de figuras trazan dos líneas verticales con la misma separación del respectivo borde lateral; y se puede visualizar otra línea si se sigue de forma ascendente o descendente la unión de las manos entre las dos torres, esto marca un eje central muy claro y que proporciona la posibilidad de una simetría, aunque Haring no llega a hacerla para aportar así más dinamismo. De menos protagonismo es la estructura horizontal. Ésta se forma mediante nueve líneas horizontales y paralelas al unir las cabezas de las figuras de una torre con la otra y siguiendo esa proporción hasta el marco inferior.

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La mayoría de las obras de Haring son de espacio positivo, como la que he escogido de ejemplo. En este tipo de pinturas, es la figura la que destaca encima del fondo, que suele ser plano, sin sombras ni mezclas tonales. Este fondo, como es habitual, no transmite ninguna información, solo es útil como soporte. Sin embargo, Haring no siempre utiliza tonos claros como fondo ya que muchas de sus obras son en un lienzo negro que deja sin pintar, lo que sorprende al espectador ya que está poco habituado a eso.

Respecto al formato, el autor utiliza mucho el apaisado, el cuadrado y el vertical. Este último es el que se utiliza en “Untitled (1986)”. Con el formato vertical, el artista consigue que el espectador haga un recorrido visual ascendente o descendente, con el que se puede ver la esencia de la obra perfectamente ya que lo que importa es la altura que consiguen las figuras una encima de otras y la sensación de movimiento por esa altura. Por esto no se podría utilizar el formato apaisado, no es una obra estable si no dinámica. Así, podemos decir que este formato funciona y encaja perfectamente en la obra al contar con una composición dinámica y elevada, no importa el recorrido horizontal tanto como el vertical. 

Siguiendo con el análisis, analizaré los elementos morfológicos de la obra. Para empezar, lo que más destaca es la línea, por ser el elemento delimitador de las figuras y de la obra; junto con la forma, ya que las figuras son lo más importante del cuadro. También podemos hablar de la forma en el conjunto de líneas que se ven a los lados de cada figura para transmitir la sensación de movimiento, algo crucial en la obra ya que sin ellas se entendería que las figuras están estables. Otro elemento morfológico que se puede apreciar es la textura en el suelo debido a la agrupación de puntos que lo conforman, esto le añade el valor sensorial de un suelo terrenoso. 

Como he comentando en el apartado “M3”, la forma es muy importante en las obras de Haring. Él representa figuras reales de una forma simple pero fácilmente reconocible. En el cuadro de ejemplo se puede ver esto. Las personas carecen de muchos elementos que tiene un humano en la realidad, pero se sigue entendiendo lo que es debido a los ejes estructurales y a la representación de lo esencial, por eso hablé en la “M4” de síntesis gráfica. Esta síntesis necesita unos elementos denotativos para funcionar y, en general, en todas las representaciones de humanos de Haring pasa por alto la cara, el pelo, las orejas, los dedos… cosas prescindibles para quedarse con lo imprescindible, la estructura corporal. 

Con la posición vertical de las figuras podemos hablar de tensión ya que utilizan la diagonal ligeramente. Si nos fijamos, las personas de la izquierda están en una pequeña línea diagonal y las de la derecha forman dos curvas, como si fuera una «S». También aumenta la tensión y el movimiento debido al efecto de las rayas cortas a los lados de las formas tan característico de Keith Haring.

Entre su composición, podemos destacar el traslapo de las figuras. Esto le sirve al espectador para distinguir los personajes, ver cómo están unos encima de otros y dotar de tridimensionalidad a la obra. También quiero resaltar algunas de las relaciones sintácticas presentes: la dirección, la proporción, el movimiento y la tensión.

1- La dirección en la imagen es vertical ya que la posición de los elementos nos hace llevar un recorrido visual de arriba a abajo. La dirección vertical y horizontal proporciona estabilidad y equilibrio, pero, como hemos visto, esta composición está llena de movimiento y dinamismo debido a las cortas y muchas líneas que se posicionan alrededor de los personajes para dar esa sensación; y al ligero uso de la diagonal.

2- Aún así, la obra nos sigue pareciendo armónica. Ese generador de armonía es la proporción. Las figuras están totalmente proporcionadas y guardan gran similitud las unas con las otras, se podría decir que incluso son copias que tienen un movimiento y una posición distintas. Respecto a la proporción compositiva, la he analizado en esta práctica con anterioridad (las dos imágenes anteriores).

3- El movimiento es de las cosas más importantes de esta obra por no decir la que más. El espectador tiene la sensación de que las figuras se mueven sobre el plano a causa de las pequeñas rayas que ya he mencionado.

4- La obra genera tensión mediante la sensación de movimiento, que parece que las personas se van a caer; y con la diagonal y las dos curvas en forma de «S» que trazan los personajes al unir sus cabezas.

Las figuras casi idénticas y la posición de las mismas tan proporcionada y continuas genera un ritmo que se podría traducir en una escala musical de más agudo (arriba) a más grave (abajo), por ejemplo. O en dos instrumentos de percusión a la vez haciendo un mismo ritmo. Para esto es importante la modulación de la obra, la cual he analizado anteriormente, centrándome en los tres ejes compositivos verticales y en los nueve horizontales. 

En conclusión, en esta obra son importantes los ejes proporcionados, la verticalidad y el dinamismo y movimiento pese a ese supuesto equilibrio vertical y horizontal del que se dota la obra.

2- Espacio abierto y composición cerrada

Sin embargo, Haring es capaz de representar espacios abiertos combinados con composiciones cerradas como vemos en “Untitled (1980)”, aunque no sea lo más común.

En esta obra se observa una situación de sumisión por parte de los humanos a unos alienígenas que posiblemente los estén controlando o creando. Los humanos se encuentran desnudos y caminan “a cuatro patas” unos detrás de otros, como si de una cinta de producción industrial se tratara. Los espectadores del cuadro pueden percibir esto último gracias al encuadre, ya que al fijarse en un humano y cortar a otros dos por la mitad, no limita a tres humanos simplemente, si no que podemos imaginar que hay una fila de ellos enorme y que incluso toda la población mundial está sometida a estos aliens. Por esto es una composición cerrada, el encuadre y la posición de los elementos es crucial para entender el mensaje como lo he descrito. Sin embargo, el espacio es abierto porque entendemos que los humanos no se cortan uno por la cintura y otro por la cabeza, si no que continúan sus cuerpos y que incluso hay muchos más humanos como acabo de explicar. Por lo tanto, la acción de los elementos de la obra se extiende más allá de los bordes pero éstos se limitan por el encuadre para entender mejor el mensaje de alineación, control y sumisión.

El formato del cuadro es apaisado para entender ese mensaje de movimiento lateral que hacen los humanos para pasar por debajo del rayo del ovni, tal y como en una cinta de producción en serie que se mueve horizontalmente. Esta elección del formato proporciona gran estabilidad a la obra, lo que se corresponde correctamente ya que no imaginamos que los humanos se arrastren rápido ni haya mucho dinamismo, nos imaginamos algo más lento porque los humanos deben de estar cansados y deprimidos por la situación de control y de represión que están viviendo. 

Respecto a los elementos morfológicos, el que predomina es la línea. Este elementos sirve tanto para delimitar las figuras y el encuadre de la obra, como para dirigir la mirada del espectador de arriba a abajo debido a que los rayos del ovni se perciben como descendentes. Aparte, también la línea del suelo y la posición agachada y horizontal de los personajes, llevan al espectador a hacer un recorrido lateral de izquierda a derecha (por nuestra lectura occidental).

Al delimitar la línea las figuras, podemos hablar de formas, porque lo que hay dentro de la línea es el personaje y lo de fuera el fondo. Estas formas no están rellenas de ningún color, tienen el color del fondo. Sin embargo, se distinguen perfectamente gracias a la gruesa línea negra, por lo que es un elemento muy importante.

Quizás también podríamos hablar de textura como elemento morfológico en las ranuras que da la sensación que tiene el platillo volante. Las distintas rayas negras puestas proporcionalmente y paralelamente, crean esa sensación de surcos o ranuras en el aparato. 

Si nos fijamos en la representación de las formas, son las propias de Haring: unos humanos representados con lo mínimo para ser reconocidos como tal, como he hablado anteriormente; y un platillo volante que es representado como la amenaza a la población también simplificado, sin muchos detalles más que los necesarios. Por ejemplo, que el platillo tenga esas ranuras sirve para distinguirlo porque se tiene la concepción de que es un aparato muy geométrico y rotatorio, con huecos para disparar un láser. Al utilizar figuras simples, Haring siempre intenta conseguir lo denotativo, lo que popularmente las personas se imaginan en su cabeza, el concepto visual.

Para representar la posición del humano gateando, Haring utilizó el método del escorzo. Así los ejes estructurales del cuerpo no están paralelamente a la imagen y dota a la imagen de profundidad y realismo. 

De la sintaxis de la imagen podríamos decir que tiene una dirección, una cierta proporción, un movimiento, una dimensión y un equilibrio compositivo.

1- La dirección es horizontal, por la sensación de movimiento lateral de los humanos; y vertical, por los rayos láser que lanza hacia el humano el ovni. Ambas direcciones aportan estabilidad a la imagen y tranquilidad. Pese a ser una situación de catástrofe para lo humanos, hay un orden impuesto por los alienígenas y un movimiento de izquierda a derecha calmado. El único movimiento más rápido que podría el espectador percibir es el de los rayos láser, pero no se aprecia como algo demasiado dinámico porque el espectador se va a sentir más identificado con los humanos, entonces percibe más su sensación de agotamiento y depresión antes que el fugaz rayo láser. 

2- La proporción no es del todo exacta ya que Keith Haring no solía hacer nada demasiado premeditado ni medido, muchas obras como esta las hacía en el momento sin tener una cuadrícula ni reglas. Por lo que se puede atisbar un intento de proporción, pero no está logrado. Horizontalmente, se podría dividir en cuatro partes: una el ovni, la segunda el rayo láser, la tercera el cuerpo del humano central en donde impacta el rayo, y la cuarta que coincidiría más o menos con la línea del suelo y comprendería las extremidades de los humanos gateando. Verticalmente, podríamos trazar una línea central que coincidiría casi con el centro del platillo volante y que pasaría por medio de los rayos láser hasta llegar a pasar por el cuello y las manos del protagonista humano. 

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3- La ilusión óptica del movimiento se consigue por la posición de una extremidad más adelantada que otra, para que se vea que está gateando y no parado. Además, hay que tener en cuenta que suelen ser las formas las que tienden a moverse sobre el plano, lo que también genera esa sensación de movimiento.

4- La dimensión se consigue gracias al escorzo que provoca un traslapo en las extremidades de los humanos.

5- La obra está dotada de equilibrio como vimos al analizar las distintas partes proporcionadas, pero también porque sigue el esquema básico del equilibrio compositivo. En la parte superior de la imagen hay menos cosas (tan sólo el platillo volante) que en la parte inferior, en donde se puede ver tres humanos, el suelo y el impacto del rayo láser. Esto hace que la obra esté compensada y equilibrada porque para nosotros nos pesa mucho más si hay más cosas en la parte superior que en la inferior, ya que en nuestro mundo y por las leyes de la gravedad, vemos las cosas siempre abajo y arriba está solo el cielo. Por esto podemos decir que la imagen está nivelada, hay una ausencia de tensión y una armonía. 

Para favorecer la lectura visual, se puede observar un patrón rítmico con los distintos elementos. Como es una obra con un formato apaisado, podemos decir que el ritmo empieza de izquierda a derecha. El movimiento continuo es la raya que separa el suelo del cielo, el cual es interrumpido por las tres figuras de humanos. Al mismo tiempo, antes de la interrupción de la persona central, empiezan los cortos y distintos rayos láser mientras que el platillo volante hace su aparición: al principio de una manera más sutil (porque es la parte sólo del círculo), luego de una forma más intensa (por tener ahí el núcleo y el disparador de rayos láser) para acabar de nuevo con la sutileza del principio. Con este análisis observamos que no es un ritmo repetitivo, si no que tiene interrupciones y elementos que aparecen de repente. 

3- Espacio ilimitado y composición abierta

Aunque pocas, Keith Haring también hizo obras de espacio ilimitado y de composición abierta. Este tipo de composiciones se ve especialmente en las obras en donde figuras de humanos están tiradas en el suelo unas encima de otras y se ven desde un plano cenital, como en “Untitled (1985)”.

Esta obra de formato apaisado nos transmite cierta estabilidad, quizás si el formato fuese retrato, sentiríamos más dinamismo y movimiento, como si los personajes se estuvieran cayendo hacia abajo. Pero así, el recorrido visual se traslada de un lado a otro de la imagen y podemos sentir la estabilidad y la profundidad generada por la superposición. 

El espacio compositivo usado es ilimitado, algo inusual en las obras de Keith Haring. Las figuras que se reflejan en el cuadro son simplemente una parte de las tantas que hay, o esa es la sensación que nos genera. Las formas se extienden mucho más allá de las figuras del soporte y los colores del fondo también. Por lo que, aunque se amplíe la cantidad de figuras que se vea o se reduzca, seguirá teniendo la misma esencia de espacio ilimitado. 

La composición de la obra es abierta, no tiene unos ejes estructurales claros, es tan sólo un encuadre parcial de las numerosas formas que parecen no tener fin. Esto funciona perfectamente para transmitir la idea de lo incalculable y lo infinito, algo que no podemos ver en su totalidad por lo inmenso que es.

Elementos morfológicos:

1- La línea como delimitador de la forma. La línea que más llama la atención es la línea negra y gruesa, característica de Haring para limitar sus figuras. Sin embargo, si observamos el cuadro podremos ver una línea blanca que delimita otras formas orgánicas de colores que constituyen el fondo, algo novedoso en las obras del autor.

2- Las formas en esta obra son un poco confusas. Las figuras humanas ya son difíciles de distinguir porque están entrelazadas y superpuestas, pero los colores no ayudan a su distinción ya que no hay un color para cada figura, si no que cada personaje comprende varios colores o comparte el mismo con otra porque los colores componen las figuras abstractas del fono, no las figurativas.

3- Los colores de la imagen son los típicos que pinta Haring: planos, vivos y saturados. Por la mezcla de variados colores (naranja, azul, verde, rosa y violeta) y su posición aleatoria en figuras abstractas, no creo que tenga ninguna intención de transmitir un mensaje mediante lo cromático. Podemos observar que el color de fondo de todas las formas es el azul, porque es el color que aparece en toda la obra en las esquinas y sitios más puntiagudos que dejan las formas abstractas.

En esta obra, el autor mezcla formas figurativas y abstractas, probablemente con una finalidad puramente estética. Sus formas figurativas representan a personas en su forma más simple y básica, por lo que han pasado por un proceso de síntesis para obtener lo mínimo para ser entendido por todo el mundo, como ya he hablado anteriormente; y sus formas abstractas son orgánicas con distintos tamaños, colores y formas. 

Gracias a la similitud (o copia exacta) de las formas humanoides, podemos distinguir mejor estas formas de la abstracción del fondo y también al revés. Las figuras humanas están superpuestas, por lo que podemos ver un traslapo. Pero ninguna de éstas está por encima de las demás, no hay ningún protagonista ni ningún foco de atención. Así se facilita el equilibrio visual y el traslapo favorece la tridimensionalidad. 

La obra que he tomado de ejemplo, no tiene demasiados criterios sintácticos. Pero, de entre todos, se podría citar la proporción, ya que las figuras humanas son prácticamente una copia y están proporcionadas, no hay deformidades ni extremidades más largas o más cortas, además de que no hay ningún espacio sin elementos, toda la obra está completa. 

En cuanto a patrones rítmicos, no creo que la obra tenga uno como tal. Aunque sí que se repiten las figuras y los colores, la posición de los elementos es muy aleatoria. 

Para finalizar, esta obra tiene una finalidad más estética que de transmisión de un mensaje. Sus colores y la combinación de figurativo y abstracto también nos la da sensación de mundo de fantasía y alucinatorio.

En conclusión, Keith Haring es reconocido por tener un estilo característico, sus obras se pueden reconocer fácilmente ya que creó un mundo totalmente diferente pero comprensible para todos e incluso de gran agrado. Aún así, a Haring nunca le asustó experimentar y salirse de lo que a él le representaba, por eso podemos hacer análisis muy distintos en muchas de sus obras.